略谈中国画审美观——杨潮

2019-7-15 9:39:43

       中国历代绘画理论蔚为大观，画家、理论家各抒已见、论点分歧。这是由于各人的不同思想、感情、禀赋、出身、修养、个性、嗜好以及人与人之间的复杂关系，所产生不同的审美观。
我这里老生常谈把较著名的画家、理论家的评画论点，简略辑要提一下，再谈一谈我自己的观点。
        一、古代中国画审美观
晋顾恺之把“传神”作为评画的最高标准，凭什么传神呢?就是“以形写神”。
南朝齐谢赫《古画品录》的“六法”论:气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写。对后世产生了深远影响。唐张怀瓘“神、妙、能”和朱景玄的“逸”。
张彦远论画:“夫象物 必在于形似，形似须全其骨气”。  “若气韵不周，  空陈形似，笔力未道，空善赋彩，谓非妙也’  。

      五代荆浩《笔法记》论述:“夫画有六要:一日气，二日韵，三日思，四日景，五日笔，六日墨。气者，心随笔运，取象不惑。韵者，隐迹立形，备仪不俗。思者，删拔大要，凝想形物。景者，制度时因，  搜妙创真。笔者，虽依法则，运转变通，不质不形，如飞如动。墨者，高低晕淡，品物浅深，文彩自然，似非因笔。  ”

      北宋郭若虚《图画见闻志》说:  “凡画，必周气韵，方号世珍，不尔虽竭巧思，止同众工之事，虽曰画而非画”。

      刘道醇《宋朝名画评》提出了“六要”和“六长”，作为评画标准。六要:气韵兼力，格制俱老，变异合理，彩绘有泽，去来自然，师学舍短。六长:粗囟求笔，僻涩求才，细巧求力，狂怪求理，无墨求染，平画求长。

      苏轼的审美观:  “论画以形似，见与儿童邻。”

      倪瓒的观点:  “仆之所谓画者，不过逸笔草，不求形似，聊以自娱耳。”他把画作为自我欣赏，表现个性的消遗工具。

      明代王履《华山图序》论:画虽状形主平意，意不足谓之非形可也。虽然，意在形，舍形何所求意?故得其形者，意溢予形，失其形者，形乎哉?画物欲似物，岂可不识其面?王履主张“形神兼备”

      李开先《画品》论六要笔法:“_ 日神笔法，纵横妙理神化。二日清笔法，简俊莹洁、疏豁虚明。三日老笔法，如苍藤古柏，峻石屈铁，玉坼缶罅。四日劲笔法，如强弓巨弩，旷机蹶发。五日活笔法，笔势飞走，”乍徐还疾，倏聚忽散。六日润笔法，含滋蕴彩，生气蔼然。”

      徐青藤画跋:“不求形 似求生韵....他把神韵作为审美的主要标准。

      清代恽南田论“摄情”之说:“春山如笑，夏山如怒，秋山如妆，冬山如睡。四山之意，山不能言，人能言之。”

      邹一桂论“活脱”之说:“两字诀: 日话日脱。活者，生动也。用意用笔用色，一一生动，方可谓之写生。脱者，笔笔醒透，则画与纸绢离，非色暴跳脱之谓。脱仍是活意，花如欲语，禽如欲飞，石必峻赠，树必挺拔。观者但见花鸟树石而不见纸绢，斯真脱矣，斯真画矣。

      石涛《苦瓜和尚画语录.笔墨章第五》论述:“墨非蒙养不灵， 笔非生活不神。能受蒙养之灵，而不解生活之神，是有墨无笔也。能受生活之神，而不变攀养之灵，是有笔无墨也。”他把笔墨和生活(搜尽奇峰打草稿)紧密地联系起来，产生物我交融。石涛的另一审美观点“不似之似’  被后人所重视。

      郑板桥论画:“未画以前， 不立一格，既画以后，不留一格。”他的审美观点“陋劣中有至好”为后人所称许。

      二、现代中国画审美观

      吴昌硕论画以气势为上，他在《沈公周书来索画梅》跋“梦痕诗人养浩气， 道我笔气齐幽燕。”他又说:“作画不可太着意色相之间。”

      黄宾虹论画:“美在皮表， 一览无余，情致浅，意味淡，故初喜而终厌，美在其中，蕴藉多致，耐人寻味，画尽意在，故初看平平而终见妙境。必神专志一，虚心静气，严肃深思，方能于嶙峋中见出壮美，平淡中辨得隽永。唯其藏之深，故非浅尝所能获;唯其蓄之厚，故采之无尽，汲之不竭。”

      齐白石论画:“作画妙在似 与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。”欢饮

      吕凤子论画:  “写神、致用的中国传统画，是以渗透作者情意的气力为基质。就因作者情意和气力不尽相同，所以同题材的画会有多种不同的风格”。“神韵、 气韵应该有别，应该并讲，无论是人物画、山水画或其他画。即有的画应该以气韵胜，有的画应该以神韵胜。”

      潘天寿《听天阁画谈随笔》杂论:“以奇取胜者，往往天资强于功力，以其着意于奇，每忽于规矩法则，故易。以平取胜者，“往往天资并齐于功力，不着意于奇，故难。然而奇中能见其不奇，乎中能见其不平，则大家矣。”

      傅抱石说:“思想变了 ,笔墨就不能不变。”“一种艺术的真正要素，在于有生命”。“主要看生活， 不可为笔墨而笔墨。”

      三、中国画审美之我见

      我对中国画的审美观，第一应以意境胜，第二该以趣味胜。神韵、气韵和形似都是绘画制作高下问题，意境是绘画目的，即致用功能问题。意境能够表现时代面貌，健康，使人积极向上，振奋精神。反之，教人情绪低落、胸中盘郁，萎糜不振。玩弄笔墨技巧，表现个人情趣属于小晶一类的为趣味画，如古代某些土大夫文人画逃避现实，他们的隐逸思想所产生了形式主义，把绘画称为墨戏。无意义的趣味性自我表现的绘画不是不许可，但总比意境高尚的绘画差一筹。

      中国画的意境是笔墨技巧所完成的，成画以后，一定要看不见技巧，否则，技巧只能称为墨戏了。心里想的意境易，笔墨技巧难，能用笔墨技巧完成某种意义的形象更难。画家与画匠的区别在哪儿呢?我看在“逸”字。绘画必须意到笔不到，笔笔送到，发越太尽，无含蓄而刻板拖滞是画匠。古代的‘在潮’派与‘在野’派之间的审美观分歧，现代的形式主义、理想主义、自然主义、浪漫主义等的欣赏观点不同，往往是被对方指为缺点的地方，自己认为最精采的。这里所产生的矛盾，就是审美领域的角度不同。

      评论家、欣赏者看作品时还有一个特殊微妙的关系，就是说作者是你所喜爱的，或是作品里的意境和观者的切身经历有一种呼应的地方，产生渐入佳境，会心领悦，因而就有偏袒之意。另一种就迷信名家，不管作品的好坏，都统统认为完美无缺，可不知著名画家辈子也不过创作出几件精品。第六届全国美展，有件作品落选,没有展出,结果被某家美院几千元买去收藏。这是评委的偏见，如换一批评委，谁能保证展出的作品不会被刷下来呢。中国画审美观有没有标准呢?有，一个是政治标准，另一个是艺术标准，看什么阶级去衡量。我们仔细想一想，为什么展览会.上和家庭的挂的画不一样呢?因为展览会上的画是起教育作用，展览的作品能反映社会繁荣与否。家庭里所挂是- -种“畅神”“悦情”“快人意”的画。

      我再谈另一个问题，有人说:“中国 画发展到任伯年、吴昌硕、黄宾虹、齐白石的阶段，已接近了它的尽头。中国画在达到了最高成就的同时，也预示了它末落的开端。”这句话值得商讨，自古以来，素负盛名的权威，对画家的评价,没有一致的看法，任、吴、黄、齐画家之间，你说哪一位艺术成就最高?翻开《任伯年研究》看一看对任伯年的评价吧，这属于见仁见智的问题。谁能表态第六届全国美展夺奖的中国画，不如任，吴、黄、齐的画，或比他们强呢。任、吴、黄、齐只属于他们的时代。时代在前进，科学在发展，艺术在进步。中国画的创新不是现在有的，自古以来一直在“亦”，变就是创新。不是某人说要创新就会创新，会断裂，要保留的。

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