从行为学看中国画

2019-6-28 9:26:12

       具有悠久历史的中国画，到了当代竟争论不休，持续数十年之久，在世界艺术史上是罕见的。近两年来，对中国艺术的现状分析和前景预测，出现了许多截然不同的论点:有的人认为它已“穷途末日”，有的人却认为它“方兴禾艾”  ;有的说:  “中国画无需创新”，反之，有人却视中国画和整个绘画艺术，已接近终极，将有一个近似于现代设计的东西所代替，等等。尖锐的论点脱颖而出，刺痛人们的神经，而引起思考。
      在中国画讨论长期争执不下时，我们从宏观的角度，运用多种方法，从外部作些分析，也许能把讨论引向纵深。
我试图从行为科学角度谈这个问题。人总是有行为的。作为一个健康的人，他的行为总有动机，动机则由需要所决定。赤日炎炎的夏天，你没有取暖的需要，决不会在屋里生起火炉。产生行为的需要是比较复杂的，有着丰富内涵。美国心理学家马里罗把人的需要按顺序排列为七个层次，即1.生理需要，2.安全需要，3. 相属关系和爱的需要，4.自尊的需要，5.认识的需要，6. 美的需要，7.自我实现的需要。也有的学者将之七种需要归纳为生理的需要和社会的需文，  这两大类需要并没有严格的，不可逾越的界限，因为人类的生理需要也要受到社会生活的制约和影响。
艺术是人类的一种行为， 绘画作为艺术的一个门类，也是一种行为。画家作画，他首先有一种创作的冲动，即创作欲。要把“胸中的逸气”抒发出来，这是自我实现的需要，美的需要，自然也有其生理的因素。作为欣赏者，则是美的需要，认识的需要，视觉形象进入眼睛这个窗口，产生愉悦的情绪，也有一种生理的需要。普列汉诺夫认为“从历史上说，以有意识的实用观点来看待事物，往往先于审美观点，总之人最初是从功利观点来观察事物，只是后来才算到审美的观点来看待它们。”我们知道尼沃壁画绘制在八百米深的洞穴之中，当时照明又极其困难，如果纯粹为审美欣尝，何必选在这个地方呢成于我国春秋末年的《考工记》，记述了钟虞的制作，它以虎豹作为雕刻造型’然后再涂上相应的色彩，敲钟时似大兽在吼叫。为何要如此装饰呢?原文中说得很清楚，是为“宗教之事”。在祭祀时，人们把形、声色联系起来，就可以造成一种震撼人心的威严肃穆气氛。这无疑是出于当时统治者维系宗法尊严的需要，审美欣赏则是次要的。

      在许多原始艺术之中我们经常看到许多狩猎的场景，人类的先祖们是借助于宗教祈求获得更多的食物，不难理解，在生产力低下的时候，以温饱满足生理需要，是第一位的。随着生产力的发展，美与实用拉开了距离，专供欣赏的艺术独立出来，这种历史的“积淀”，标志着人类的一种文明进步。不过“实用”、“功利”、“功用”都属于需要的范畴，它们与美有着密切的联系，鲁迅先生说:“享乐着 美的时候，虽然几乎不想到功用，但可用科学分析而被发现。所以美底的享乐的特殊性，即直接性，然而美的愉乐的根底里，倘不伏着功用，那事物就不见美了。并非人为美而存在，乃是美为人而存在的。”

      作为独立欣赏艺术的绘画，符合人们的审美需求。稍纵即逝的景象，遥远的名山大川，神秘的家庭生活，丰富多彩的自然界和人类社会.人们都想涉猜，都想把那些4形象”再现，以满足视觉市美的需婴。由于经济以科学技术的落后，这些感望只能依赖于绘画。绘画在很大程度上成了记录，传递视凭形象、信息的工具，人们在欣尝绘画作品时，其赏心说目的乐趣绝不亚于现在收看人造卫星转播的世界歌星表演，或通过电视录相播放的《非洲天然动物园》!  那个时代，人们对画绘画的“逼真”成了追求的目标，家的天赋技艺的惊奇，就是对美的黑家的形式占着绝对的优

      由此可见，当时具象刻是抽象的，并举势。出了我国出土的陶器人面鱼有人说最早的绘画雕刻纹(一万年至四。因为世界五干年前，这大概不符合事实。上发现的三万年前洞穴壁画，就有刻画得很具象的马、狼、野猪、野牛和母鹿。我认为。原始艺术的绘画是抽象、具象并存的。绘画成为独立的欣赏艺术以后具象形式占居统治地位，是毋庸置疑的。追求形象的完整、逼真愈演愈烈，这在西方古典绘画中尤为突出。苏格拉底认为:“用颜色去摹仿-些实在的事物，凹的和凸的，昏暗的和明亮的，硬的和软的，粗糙的和光滑的，幼的和老的。”他强调绘画对于对象、实体的再验证。与西方绘画相比，中国很早就注重神韵和意境，强调情感和精神的表现，但是总体说它还是要栩栩如生的，“论 画以形似，见于儿童邻”只是画不“似”的一种高雅的借口。齐白石先生的著名画语:“似与不似之间”论，压根儿不是他所有作品都遵循法则，他的代表作“虾”不就是画得极似吗?笔者曾看到一幅黑白照片，竟可以达到与齐白石大作乱真的程度。平心而言，从画得“似”这一点上，我们中国画与西画还是有距离(这里我根本没有用画得似与不似为标准来衡量艺术的高下的意思。),古人限于各种条件，如科学技术，知识水准，不可能画得很“似”，自从色彩学、透视学、解剖学问世以后，才为那种称之为“模仿艺术”的绘画，提供了科学依据，随着时间的推移，这种绘画才达到登峰造极的程度。

      科学技术的突飞猛进，照片、电影、电视录象技术的问世，对艺术的各个门类、样式产生了巨大的冲击力，它改变了人们的某些需求与行为。绘画作为形象信息记录、传递工具这功能，在某种程度上消失了。照相机能将形象、景物真实迅速的记录下来,从真实感这一点说，是画家难以相比的。绘画大师安格尔曾经惊叹道:“摄影术真是巧夺天工，我很希望画到这样逼真，这可能是任何画家也难以做到的。”摄影技术发展到现在的水平，不仅能真实地记录彩色形象，而且可以进行“人物画”创作，“杂取”一些人的五官，能天衣无缝地把它拼接起来。客观的现实，迫使一些感觉敏锐和善于思考的艺术家，产生了“危机感”，试图改变自己的创作“方位。”我国著名画家李可染先生曾刻了一枚印章，立志在绘画艺术上另辟蹊径，“不 与照相机争功”。

      当许多逼真的形象充斥在人们的视觉屏幕上，人们对这类所谓逼真的作品，失去原有的惊奇感，从习以为常到不感到兴趣，最后甚至有点发“腻”了。绘画是视觉艺术，人的视觉具有刺激、感受、兴奋、疲劳和寻求新的平衡的机能。发“腻”实际上就是视觉疲劳，心理失去平衡的一种表现。这种情况在现代工业产品的设计中，例子屡见不鲜。当然产品造型设计有着科学技术和生产工艺加工的原因，但最主要的还是满足人们心理平衡的审美需求,不致使人看到发“腻”。根据生理学的理论， 重复出现的同类型刺激物,会引起大脑神经细胞的抑制，“这种抑制过程会扩散开来，引起睡眠”试问欣赏者陷入了瞌睡状态，还能接受多少美感呢?

      长期欣赏近似于照片的单调作品中，人们很自然会产生寻求绘画新形式的要求。在我国，由于“对外开放”和“创作自由”方针的执行，抽象绘画得到“天时地利”的条件。诚然抽象化给欣赏带来困难，然而正如卡斯特尔维屈罗所说:“欣赏是 对于困难的克服。”我们克服了某些困难，就会格外欣赏这一形式的美。毕加索的《格尔尼卡》绘画作品，初看不理解,后来看到他的一段话，方才明白其意。他说“我描绘那幅被称为《格尔尼卡》的画时，我很清楚的表明了，对那把西班牙沉浸在痛苦与死亡的海洋中的好战集团的厌恶和鄙视。”知道了那幅画是揭露法西斯罪行的，从而领略了画中的许多细节和它的意蕴，觉得这种表现比具象的描绘更有力量。从现状上看，国内一些美术杂志发表了不少抽象的、表现自我的现代绘画作品，就得了许多读者，特别是专业美术工作的青睐，这种情况难道不是一些人的需要吗?有些人说那些绘画形式在国外早已出现过，并不新鲜。情况也许是这样，但是这些作品对不少人却是新的，能满足他们心理平衡需要。这里有必要说及的是，有些青年认为抽象形式的艺术可以胡来一气，信手涂鸦，这是对这种艺术形式的幼稚和误解，抽象艺术与以丑为美是水火不相客的。
0再谈中国画。近年来，在中国这块土地上，许多新的画种、新的绘画形式破土而出，中国画的欣赏层次圈实际在缩小，覆盖力在降低。由于中国画有特定的内涵与外延，以及作画工具的规定性，尽管它在不断的革新，在一定程度上还是不能适应快节奏、强刺激的时尚要求，再加上有些画家，过分强调中国画的规范，加之商品化的倾向，使一些画家变成复印机，他们的作品确实会引起观者的视觉疲劳，不能不承认这一客观事实的存在。
大山当然，我们也应看到中国画的另一面。它植根于中华民族土壤中，已有千百年的历史，不少人长期形成的审美习惯是不易改变的，审美习惯也能产生美感。因为“这些刺激物和他们有关反应，在他们大脑半球内便能形成暂时的联系。”反复欣赏不觉其烦，好象见到了老朋友一样喜悦。
中国地广人众，对审美的需要也不能一刀切。现在很大一批读者， 对传统中国画并未看“腻”，那些作品足以使他们赞叹、探究和激动。相反，他们对一些美术刊物发表的探索性作品，非常反感，他们甚至愤怒地将那些作品撕下来，连同一封讥讽挖苦的信，一起寄到编辑部。他们的需要还要给予满足吧?  创作一-审美(欣赏)与生产一一消费有相似之处，因此结论是肯定的，当然要满足。欣赏者审美需要的多样性，导致了审美的多样性。欣赏是不能强迫，正如鲁迅先生所说:“看客 的取舍是无法强制的，他若不要看，  连拖也无益。”你设想用所谓抽象的现代绘画，代替中国画，是不会实现的。再说所谓那种新的绘画形式发展到一定程度，总会引起人们的视觉疲劳，失去心里平衡，到时候非变变不可。
随着社会的发展和科学技术的进步，人口材石分级口们的物质和文化生活将得到进一步提高，人们的需要(美的需要、自我客现的需要等)将得到最大限度的满足，各种艺术样式和绘画形式必将呈现出丰富多彩的局面。人们将有更多的自由，来选择自己对美的不同需求。也允许人们的兴趣发生转移。然而绘画艺术有其自身的特点，绝对不会极终。例如中国画，它有“消费”，就有“生产”，  有“生产”就有竞争，有竞争就有发展。

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